A menina com asas sentada na relva e a leveza do corpo de uma bailarina apoiada ao cérebro, nas telas de Camila Cidreira, indicam a descida daquilo que causa a suavidade na existência. Mesmo que ainda preso ao peso do cotidiano, da razão opressora, é possível saltar do paradoxo de um cotidiano Vs. a arte de voar. O corvo rosa é a descida do sagrado ao cotidiano, que suaviza o simples olhar de uma janela em algo de extraordinário esteticamente.

O quadro em que há uma bailarina equilibrada ao cérebro é revelador ao conteúdo da obra completa. Não é possível suavizar pela razão, ou de modo afirmativo: somente se suaviza pelo delírio. O delírio é a emoção da alma, que é possuidora de asas, e, portanto capaz de voar. O corvo não tem haver exatamente com a realidade, mas com o delírio do corpo, a imaginação, que suaviza o real.

O corvo rosa é a desconstrução da imaginação/fantasia como uma perturbação patológica da alma. O corvo não é mais aquela ave fúnebre, obscuro como a treva cristã, mas agora é um pássaro rosa e companheiro inseparável de uma menina. Menina ainda encarnada a sua inocência, ou seja, o humor da criança que faz dela um ser demasiadamente imaginativo.

O corvo que ao amanhecer do dia vêm visitar a menina, ainda vestida com a roupa preta da madrugada, são idênticos, a menina ao ver o corvo se encontra na verdade consigo mesma. Imagine, qual é a primeira cor do dia? Quando o dia amanhece é um tom rosado no céu, pueril como um recém-nascido, não é assim? O corvo entontece de tanto amor na aurora e pousa em si.

Andar, voar e nadar sendo possíveis em uma mesma espécie, teria que existir um ser composto de asas, barbatana e patas. Não como utopia, mas no direito de sonhar no mundo real, na permissão de um dia-a-dia suavizado, com a tolerância do não ser para o existir. Camila Cidreira, que já têm esse sobrenome de chá, ao desenhar causa um profundo relaxamento, em um assunto que para muitos seria como ir ao enterro do amado.

Darlon Silva,
Poeta.

Em “Mundo das Águas”, Maurício Stone capturou o último suspiro da água, a ferocidade de um mundo rodeado de vulcões em erupções, o chão seco, o Deus desfigurado, o céu em sangue, a anarquia, o ser para a morte, metal em fusão, as artérias volumosas, o segredo do salto mortal, estado de guerra e tudo que cause fervor a nossa civilização escaldante.

A agonia da água diante ao vulcanismo industrial não é o mesmo sentimento de erupção das lavas na lei natural, mas talvez seja um apelo ao céu escuro por inundação, que assim se destrua e volte a ser, retroceda. O vulcão ativo em questão na verdade é a anarquia da nossa civilização, que burlou com todas as erupções dos divinizados elementos da natureza. O vulcão pintado tem a mesma forma retangular das indústrias que expelem gases poluidores ao ar e secam a vida dos rios com seus imundos dejetos.

De uma erupção nasceu o homem civilizado, que antes não sabia o que era o poder de manipulação do ferro. Muito provavelmente a metalurgia, que originou a história da civilização, tenha surgido com o vômito de algum vulcão e depois o homem imitou com outros meios. O vulcão ensinou segredos ao homem, e eles perverteram a ideia em agricultura desenfreada e fabricação de armas bélicas. Esse foi o primeiro passo para a institucionalização da propriedade exagerada de alguns e de todas as viciosas vaidades.

O rosto da água anuncia a morte, e quase todo o corpo já está derretido pelo calor do magma, que já desce do cume da montanha secando o chão, acompanhado de muito fogo e negras fumaças, como nas chaminés das indústrias. No “Mundo das Águas” o chão é seco, tudo é quente, sanguíneo e colérico, contrariamente o nome do mundo, que é dado pela nítida falta e não pela central presença do azul, da fleuma. O céu é negro e contaminado de chuva ácida.

A boca entreaberta parece gritar ao quente de todo o vermelho da tela. O vermelho da lava e também do céu carregados de nuvens negras. A boca e as nuvens indicam a chuva torrencial que esta para acontecer. Grande chuva pressagia inundações planetárias e esquecimento de um mundo antigo, perturbado pelo mau uso do segredo revelado pelas calorentas veias anárquicas da terra, e das feridas insecáveis de um mundo enfermo.

Em Mundo das Águas, Maurício pretende cicatrizar esse mundo – recorre à água para lhe purificar. A inundação que esta preste a ocorrer purificará todas as desmedidas de nossa civilização. No céu obscurecido, há uma forte presença da água em potência, onde o retorno às origens da lei natural será possível pela rebeldia da chuva. Quando a última gota do céu cair, a trovoada cessar e a terra seca se tornar mar, o absoluto estará de volta, os vulcões dormirão, até a chegada de um novo jovem anarquista como este.

Darlon Silva,
Poeta.

A mulher com seus vários amuletos e marcas de uma iniciada dos mistérios lunares se mantém com olhos sempre fechados, mas por quê? Trata-se de uma mulher possuída pela luz noturna, que se abrissem os olhos faiscaria com tanta iluminação, capaz de cegar quem a olhasse? Tudo indica que só com a habilidade do veado de visão noturna poderia assim olhar sem medo, encarar.

Na escuridão da noite só encara aquele que se habituar a nascer, florescer, morrer e renascer como a Lua, ou seja, aquele que está sempre em transição a alguma coisa. A mulher para ficar cheia novamente, precisou voltar a andar de quatro patas, regredir a sua espécie animal. A mulher e o veado são o mesmo em fases diferentes.

Menina, mãe e anciã, assim os Celtas definiram a Lua. Ela engatinha quando menina, fecunda em lua cheia e é sábia na velhice. Tal como se comporta uma mulher que menstrua, tatuagem indissociável no corpo da mulher, a lua segue o ciclo de nova, cheia e minguante. A chave pendurada no pescoço, todos os amuletos, é a possibilidade de abertura do ressurgir constante da mulher.

A mulher é alegre e triste ao mesmo instante, porque tem que conviver com o nascer e o morrer a cada tempo. As tatuagens guardam o código da transição, como o código genético presente em um grão, que mesmo sendo algo morto não se esquece de renascer em uma porção de terra. Um galho no pé, triângulos e luas.

Darlon Silva,
Poeta

Mais além do vermelho sanguíneo e da tapeçaria florida pelo branco do crochê, um ser mitológico, uma parte mulher a outra pássaro, ambas criativas. Essa mulher zoomorfizada aterroriza como a Hidra de Lerma, que ao cortar uma cabeça surge assim duas, e que ao ser queimado pelo vermelho do fogo atrás, restará só a última e imortal cabeça, a da própria artista que fiou a tapeçaria.

Tita Anjos é a mulher coruja, noturna e melancólica como uma sereia. Carrega o peso do tempo em seus ombros, em uma vara flexível de bambu, que hora tende ao côncavo e ao convexo, igualmente ao cantado na voz trêmula de Bethânia. O bambu que em sua terra faz rodopiar emoções do sublime ao terror no meio do ano. Bambu que apesar de permitir o excesso e a falta, no fundo é a moderação que o tempo encarrega de ensinar aos sábios.

A coruja é a ave da sabedoria porque conhece a noite, enquanto os demais dormem, é a encarregada de fazer a vigília dos sonos. A coruja conhece o bem e o mal que se desvela com o tempo, por isso é um animal que traz tantos presságios. O conhecimento futuro seduz como uma flor ou o corpo de uma mulher, mas apenas o sábio vai conseguir ficar sereno ao ver as pernas de uma mulher e não atacá-la e ser ferido pelos espinhos.

Cada ponto do bordado é como o fuso que gira no joelho da mulher fiandeira do destino. As mulheres do Recôncavo, que herdaram o tecer cotidiano dos seus ancestrais, são todas como as Parcas gregas, possui dons muitos especiais, porque são filhas da noite. A voz inesquecível de Bethânia, cantando “a matriarca da Roma Negra” é o fundo musical desse meu olhar sobre o quadro, ou melhor, meu olhar sobre Tita Anjos.

As contorções do seu corpo, a roupa com o tom da sua pele, as formas arredondadas, a pintura triangular do seu rosto e o gozo. Quando Jaiton Santóz expressou a performance que culminou no gozo oral, os visitantes se deslumbraram com o significado do que toda a exposição apontava. O gozo oral além de ser o clímax da exposição, provocou uma atualização da grandiosidade do que a estética do feminino tratava, em uma espécie de síntese do sexo, corpo e liberdade.

O corpo se confrontou com o dois-em-um, com a sua dialética, pois o plural é a essência indissociável do sexo. O plural é a essência do feminino, que é a lei erótica da terra. Note também nas pinturas, que os corpos femininos são múltiplos ou vêm acompanhados de uma imagem dupla, dois pares de pernas, de bundas e de seios em um mesmo desenho. Só o feminino poderia provocar um gozo que pudesse ser jorrado, como a planta que precisa da terra para brotar.

Jailton Santóz desenvolveu o feminino nas telas com o corpo da mulher, enfatizando o múltiplo das suas formas e dando movimento a matéria. Na multiplicidade de corpos nas imagens, forma a cópula do dois-em-um, daí, se abstrai a ideia de que na livre busca do sexo, a mulher se apossa de uma orgia consigo mesma, na tentativa de fazer companhia a si. O sêmen só é fecundo no envoltório da presença total do corpo da mulher.

A utilização do preto e branco já tem uma função dialética bem definida. Trata da dualidade existencial do eu consigo mesmo, que é a favor e oposto a si. O preto e branco é a contradição que se revela em um mesmo corpo, a claridade e a escuridão da busca da liberdade orgástica, a consciência e a inconsciência dos atos sexuais, etc.

As formas onduladas permitiram a reunião dos corpos. Uma figura composta em partes distintas e em todo uniforme, é o todo e as partes simultaneamente, como se pensa a ideia de um cavalo alado sem problemas em uma intelecção. As mulheres se adicionam umas as outras e formam outras configurações.

Até mesmo os aperitivos da vernissage haviam um sentido elaborado na estética do feminino. Os sequilhos tinham formas de vaginas, nádegas e seios. A digestão dos signos femininos pelos visitantes, dialoga subjetivamente com a ejaculação pela boca na performance. O gozo oral representa a libertação do fálico aprisionador através de um intenso prazer para a mulher.

carta ao desconhecido 84  (2014) - Juca Lordelo

Com um metadiscurso sobre uma caixa de papelão, Juca Lordelo em cartas ao desconhecido 84, faz um discurso denunciando a subjetividade do indivíduo. O olhar cabisbaixo de alguém introspectivo, centrado somente em um apito em forma de pássaro alaranjado. O pássaro é uma ideia embutida, e não há nada mais ameaçador que essa ideia. Isso faz com que além da imagem o apito tenha uma res extensa na obra. O pássaro é o solipsismo, a dúvida hiperbólica que faz do homem um ser sempre sozinho.

As peças apontam a um estilhaço e nunca a um todo formado. Esse desmembramento só se atualiza quando alguém se indaga sobre a obra. O fato de estar sobre uma caixa, já indica um desmembramento, que intenciona a incerteza. Recortes colados em fitas adesivas desdobram o metadiscurso como na montagem da envoltura da embalagem. Na medida em que se indaga sobre a obra o eu se remonta.

Ao reconciliar todas as partes, o todo da sua presença reconhece a alteridade de modo distinto. A pena significa o peso do que é o outro, apenas o eu pode ser dito pesado. O eu pode estar embutido na sua mais profundidade, mas o outro enquanto outro só se revela na sua leveza de ser. Não se leva mais nenhum fardo transcendental, a inclusão da pena tem uma função niilista. O eu que indaga é criador da própria consciência da obra.

O pássaro é o maior símbolo associado à consciência, não só porque voa, mas por ser também fonador. Só há consciência de fato quando o eu nomeia, ou quando ele assim se estende ao já conhecido. E há um paradoxo terrível nisso, o absurdo de conhecer o desconhecido. O homem só é homem porque nomeia, no entanto quando nomeia deixa de ser, surge então o paradoxo, que faz do homem um ser sempre sozinho.

De seu próprio interior, Juca Lordelo, apela a um realismo epistolar de tentar se comunicar com o desconhecido. Não sendo a primeira carta, mas a octogésima quarta, será que alcançou aquele que não conhecemos, o tal Desconhecido?

Darlon Silva,
poeta

A artista Tita Gracielle escuta áudio exposto junto a obra

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Da série "UNIDADES" de Tilde Santtos.

Performance de Bete Actis em frente a obra de Tilde Santtos

Os materiais utilizados são propositalmente de objetos tecnológicos usados, pois estão impregnados de emanações daquele que descartou. O objeto rejeitado se mostra possuidor de um resquício espiritual, capaz de reter o som que se encontra internamente a ele.

O som produzido não se iguala a estética do ruído de Russolo, que devido à época só compreendeu o movimento da técnica mecânica. Com a descoberta da relatividade e da física quântica modificou seriamente a estrutura do pensamento científico, trazendo com a tecnologia eletrônica um resgate ao debate sobre o epifânico.

Pode se fazer algumas analogias da obra de Bartira com o afro-americano Henry Dorsey que dominava o material elétrico para construir seus objetos de arte. Pois ambos não só estavam preocupados com o desenvolvimento da técnica de fazer música com objetos usados, mas de manifestar o rito e a ancestralidade.

Apesar de envolver certo sentido de transcendência, prever nada tem haver aqui com uma vidência sobrenatural. Sobretudo prever se refere a encarar a memória, o instante e o futuro como uma unidade do agora. Somos responsáveis pela tecnologia que estamos utilizando, com toda sua beleza e seus efeitos nas gerações futuras. Essa intenção é clara na performance intitulada “curuPIRA” da artista.

A pretensão de Bartira Sena é fazer da tecnologia não um sentido específico e reducionista, mas de generalizar toda a área do conhecimento, principalmente o conteúdo mitológico da sua genealogia cultural, que foi neutralizada pela chegada da ciência moderna e pela ideologia colonizadora.

Darlon Silva,
Poeta.

Cambio 14 – CIDADE DO MÉXICO com o Harmonipan Studio

O que é o Projeto Cambio 14?!

O Cambio é um projeto de intercâmbio internacional experimental de arte contemporânea promovida pelo Harmonipan Studio e que está em seu segundo ano de execução. No Cambio, artistas são convidados a participar de um cronograma de atividades, visitações a instituições, discussões sobre a produção individual e em torno do panorama atual das produções artísticas, além de vivenciar a produção na prática com outros artistas convidados.

O Cambio em seu objetivo maior, fazer perceber aos olhos de cada artista convidado, os processos de sua própria produção e questionamentos sobre a forma de gerir seus trabalhos, sem condicioná-los, além da busca da percepção do trabalho do outro e do olhar que tanto o público quanto os outros artistas têm em resposta a essas produções finais. É a experimentação de uma soltura na prática da visão das produções artístico-culturais.

O Harmonipan Studio entra com a parceria em Salvador- Bahia com a nossa agência, a EM Cultural, a intenção é levar os baianos para essas experimentações ricas em trocas e pautadas nos processos de construção de trabalhos artísticos, com abertura para as produções e olhares de nosso tempo.

O Harmonipan é um estúdio que promove a produção artística em diversas linguagens e tem parcerias por todo o mundo e sede no México com correspondentes no Brasil e Estados Unidos. O conceito de estudo nasceu com o objetivo de criar uma abertura para julgamento da produção artística, por causa da grande diversidade artístico-cultural e diferenças nos processos de criação, produção e apresentação.

Nessa edição do Cambio 14, o tema proposto é a “Fenomenologia da Percepção” e que contará com o acompanhamento dos artistas convidados em uma produção do grupo internacional Lucks Dragons, conhecido por suas experimentações sonoras-visuais.

“Lucky Dragons é um grupo de música experimental composta por Lucas Fischbeck e Sarah Rara. Com sede em Los Angeles, Califórnia, a banda é conhecida por seu som incomum, descrito como tendo a capacidade de fazer  ‘sons do cotidiano’ tornar-se algo sedutor  ao outro”.

Juci Reis – Diretora do Projeto Cambio 14.

Performances:  'incluem música ao vivo, projeção de vídeo e sons criados em colaboração com o público.

Thirty Days NY Artist Series: Sumi Ink Club from Thirty Days NY on Vimeo.

Esse projeto conta também com a parceria do conceituado Museu Chopo que, é uma instituição cultural que pertence a Universidade Nacional Autônoma do México. E nesse espaço se realiza uma série de pesquisas sobre produção Cultural e sua ligação com a arte contemporânea.

Vem coisa boa por aí! E voltando ao Brasil, os artistas farão suas atividades como resultado dessas experimentações e que serão – parte delas – acompanhadas pela EM Cultural. Acompanhamento esse que faremos desde o México até a chegada ao Brasil, e nas mostras seguintes dessa produção pós Cambio.

A EM Cultural fará o seu diário, mostraremos as atividades e que também faremos parte, vivenciaremos experimentações como grupo de arte. Ansiosos para vivenciar cada momento dessa produção!

Arte Experimental - Fenomenologia da Percepção - Cidade do México - Cambio 14, vem muita coisa boa por aí! Para quem quiser acompanhar um pouco da nossa estadia no México e se ater às dinâmica e atividades de produção dos artistas participantes do Cambio 14: https://www.facebook.com/EMcultural?ref=hl

O que é mais nobre na obra de Juca Lordelo é essa presença dele mesmo. Ele guarda a si e ninguém mais. Apesar do rastro de uma pena, não existe um anjo da guarda o velando. Essa pena só significa que ele não leva nenhum fardo de algum sacrifício metafísico. É ele em que dialoga consigo a todo tempo, até mesmo no vazio do seu Eu.

O papel velho, a folha seca e a ferrugem indicam o envelhecimento. A folha se refere de como ele dialoga com a natureza; nasce verde nos galhos, seca e cai. O papel; inicialmente se rabisca a novidade e depois se torna velho como o papiro. A ferrugem; mesmo no metal, que é símbolo de força, é passível de perecimento.

O elemento enferrujado é uma peça integrante a um classificador. A classificação natural dos comportamentos se dá por um hedonismo (tender ao prazer e fugir da dor), porém existe um Eu que dialoga com o outro Eu, onde pode se arquivar cada coisa. As experiências são categorizadas, mas também são embaralhadas pelas mutações cotidianas.

O artista não quer dizer que somos páginas em branco em que vamos escrevendo a vida, mas que o Eu é um colecionador dessas páginas. O Eu em certo sentido é vazio, porque coleta os objetos ao acaso, mas também é carregado de outros Eus, pois seleciona os mesmos objetos. Portanto não é paradoxal que exista um Eu vazio e um Eu duplo.

Em tantos artistas que transferem seu Eu para personagens fictícios, escondendo-se em suas estranhas intimidades, criando mundos que não existem de fato por covardia, acho nobre essa atitude de coragem desse artista Juca Lordelo.

O olhar atento da criança nas duas imagens são também janelas para o mundo, onde se quebrou o vidro que separa entre a ideia fantasiosa que se têm do menino e a realidade pulsante de sua alma. Esse é um olhar do conhecimento, que pouco se encontra nas escolas segregadas por instituições pedagógicas de ideologia escravocrata/ aristocrática. Os olhos só são janelas, porque detrás dos olhos, existe sempre um necessário movimento interno que permite o olhar, que quando se volta a si, explode na obra de Suzane Lopes.

É o espanto do olhar do jovem Teeteto que Sócrates fala: “Não estás vazio, algo em tua alma deseja vir à luz”. Os sofistas aborreciam Sócrates pelo fato deles cobrarem por ensinar o conhecimento, o filósofo ironizando isso inicia um diálogo com Teeteto, sobre o que realmente é o conhecer. O jovem responde algo muito próximo a “movimento interno/ sensação”, e Sócrates analisa essa definição comparando com as teorias do movimento dos filósofos e poetas que o precederam.

Os olhos não são portas, mas são janelas para algum lugar, que só com a traquinagem de um menino é conveniente saltar. A traquinagem é mesmo um modo explosivo de introspecção. O olhar do menino é um exercício das suas verdades que se movimenta como um susto ao traque. Esse é o susto do embaçado a clareza das ideias. Do combate do branco à escuridão é certo que existe um meio termo, e que são os inumeráveis tons de cinza.

Só existem dois olhos porque são janelas de diálogos, que somente em um piscar de olhos se decide dizer SIM ou NÃO às explosões. Qualquer explosão é uma explosão, mas o que importa é que tem o poder de decidir. A bomba de Hiroshima é uma explosão. A bomba do menino em São João. O homem bomba. Só o que não concerne ao mundo é mesmo essa mudez de gente adulta menor, esses muros sem janelas.

Apesar da obra de Suzane Lopes abordar sobre um movimento de militância social, ela se refere a algo mais profundo, a origem da própria mudança, como nos iluministas, que captaram no símbolo da saída da menoridade para a vida adulta o sentido de uma revolução da humanidade.

As bonecas da indústria de moldes ganham espírito, quando Juninho Tatuador dá ao que é esquecido na sua identidade pelo consumismo, uma dimensão da profundidade de individuação. As bonecas são tatuadas de modo a singularizar os brinquedos da cultura de massa e cutucar a ideologia da padronização.

As bonecas tatuadas causam certo estranhamento ao pensamento do senso comum, por se tratar de brinquedos não padronizados aos signos aceitos na difusão midiática. A tatuagem enquanto linguagem é expressa de modo marginal à educação dos “bons costumes”, pois altera a ideia do corpo como tendências naturais de potência.

As tatuagens singularizam, pois são marcas adquiridas por escolhas até o perecimento da pessoa. Os significados são eleitos a partir das vivências pessoais e que muitas deles podem se revelar vazios de sentido. A vontade de se ter um boneco em série pode se comparar a possuir uma tatuagem que distingue se igualando.

Dar espírito as inertes bonecas das prateleiras requer a capacidade de individuação, somente pelo eu-pensante se dá a existência, como em Descartes, porém o valor da tatuagem não se dá apenas pelo arcabouço teórico e sim pelo fato da emoção, do arrepio à dor da pele.

As bonecas além de objetos de uso também são signos da infância que marca a construção do indivíduo. Assim é a criação de Juninho Tatuador, que traz elementos de alguém que imerso pela indústria dos brinquedos, manifesta um lado crítico de brincar.

Darlon Silva,
Poeta