Movimento como uma força estimuladora

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"Minha obra é sempre o todo e sempre partes do todo". 
 Jaiton Santóz 

"O movimento nas obras é como um relógio que marca o tempo, mas não diz quando este tempo começou e quando irá terminar". 
Jaiton Santóz 
Um manto de corpos amontoados que exibem a sensualidade do corpo feminino, nos fragmentos das imagens da obra de Jaiton Santóz, forma uma cópula da matéria e do movimento em seu metrificado espaço. Jaiton trata precisamente do que é móvel na estética.

Por meio de cada superfície dos variados corpos particulares se conduz a uma nova e única pele, como se a composição da pele inteira abrigasse inúmeros corpos. Uma proporção que quando se movimenta pelo querer dos corpos juntos, sujeita ao proveito de seu todo.

O mar que se torna singularizado em uma onda, é o seu todo e as partes do seu todo. Os corpos singularizados em curvas, se tornam aleatórios pelo contínuo de todas ondulações. Somente pela abstração do movimento é possível uma onda ser uma onda e também parte do mar.

Um objeto não pode ser matematizado cabalmente em um movimento linear, respeitando início, meio e fim sem cair no erro. Se pensarmos o paradoxo de Zenão de Eléia, a flecha não chegará a seu alvo, isso porque não devemos pensar o movimento partilhado.

O movimento deve ser entendido na obra de Jaiton como adequação da sensação com o corpo. Só há movimento porque desejamos algo. Se eu, por exemplo, desejo um copo de água, tenho que me deslocar até a cozinha para beber. O corpo feminino e o desejo são o mesmo, porque todo desejo nos remete ao laço primordial com a mulher.

Porque Jaiton dissertou o movimento como uma força estimuladora, permitiu uma grandeza temática ao seu trabalho. Possibilitou desenvolver outras questões relevantes, como amalgamar as questões de etnia e gênero, a questão do estímulo em sua origem filológica (enquanto movimento de fato), como de autoestima aos subjugados e superação da superestima da ideologia colonizadora de corpos.

Darlon Silva,

poeta.


Jexus

Obra de Alex Ígbo exposta na EM México (2014)

A janela do povo brasileiro foi carpintada por um sincretismo de combinações, que hoje não pudemos mais identificar um símbolo sem estar mesclado assim com outro, mesmo na sua origem mais conflituosa. O caso é que amalgamou no imaginário popular as imagens de Jesus e Exu com uma simbologia similar de mensageiros, no entanto Exu foi associado pelos missionários ao Diabo, que é rival ao mensageiro Jesus.

A proposta de Alex Ígbo é então juntar Exu com Jesus. Já que ambos são o caminho que leva a casa de Deus, em alguma encruzilhada os dois devem se encontrar. Porque Jesus foi crucificado, ele pode se conciliar com Exu. Só na ressurreição das idéias Exu e Jesus se apaziguam em Jexus. Então o vinho e a cachaça serão o mesmo entorpecimento no rito do sagrado.

Se juntarmos duas cruzes, uma em pé e outra de cabeça para baixo, formará duas encruzilhadas. Nas encruzilhadas o dinâmico se faz presente nas aberturas dos caminhos. O que aparece no translúcido dos vitrais é a abertura para um terceiro elemento que congrega as diferenças de Jesus e Exu. O vidro alerta que no conflito pode quebrar e obscurecer o aviso proposto.

Se as encruzilhadas são as portas, a janela é abertura para ventilar a casa de Deus. Jesus e Exu simbolizam a comunicação com o divino, por isso têm características de leveza. A pena de papagaio de Exu e a humildade de Jesus (que anda sobre as águas), expressam o sentido de um ser que anuncia uma mensagem de libertação, pela luz que emana do interior da casa.

Curvou-se em seu caminho um crucifixo na encruzilhada, e viu que há muitos mais traços de Exu com Jesus, do que com a face do Diabo. Alex Ígbo teve que domar aquilo como um carpinteiro às palavras, harmonizou tudo, agrupando em Jexus.

Darlon Silva,
Poeta.

Despir o nu

Despir o nu (2014) - Suzane Lopes


Falar sobre a obra de Suzane Lopes exige que me desnuda de toda roupagem inautêntica, porque esta obra se funde aonde a poesia e a filosofia chega a seu ápice, que é na alegorização. Não é nada fácil apontar a realidade como símbolo alegórico, porque a alegoria sempre quer dizer outra coisa.

Se o traçar do destino atormenta e vaticina a história, nem tudo ainda está acabado, resta ainda despir o nu. Quando os deuses prenunciaram a infelicidade de Édipo, restou a ele furar os olhos. De certo modo o vazar os olhos é despir o nu, é enxergar o não visto pelos olhos carnais.

A ação é pré-traçada só enquanto não se há consciência do ato, por isso as Moîras na mitologia grega são filhas da Noite. O cabelo que vai se traçando a tudo tem o sentido da complexidade da inconsciência. O destino não é totalmente irreversível, mas quando é despido, conscientizado, tem um preço a se pagar.

O preço a se pagar pela busca da independência de Rapunzel é a cegueira do amado, que fere os olhos no espinho e os próprios cabelos cortados pela Bruxa. Não é à toa que no conto de Rapunzel o cabelo é o que seduz o príncipe a subir a torre. O que é entrelaçado é tecido por cima de algo na sua nudez. Despir o nu é então subtrair a roupa que foi acrescentada, no caso o aprisionamento, e a nudez é a liberdade de Rapunzel.

Para despir o nu, é preciso antes metamorfosear a visão noturna dos veados, a habilidade de enxergar com baixíssima intensidade de luz. A Noite é a preparação anciã para poder ver. A noite só é escura porque já não precisa das cores para saber o que cada coisa é e onde se encontra, como na sabedoria dos mais velhos.

Os olhos arrancados, os longos cabelos, o preto e branco, o veado e os sinais são as partes ditas neste texto, falta ainda à parte não dita.

Darlon Silva,
poeta.

Obra exposta no Teatro Gamboa Nova na exposição "EM México"

O eu desconhecido

carta ao desconhecido 84  (2014) - Juca Lordelo

 Com um metadiscurso sobre uma caixa de papelão, Juca Lordelo em cartas ao desconhecido 84, faz um discurso denunciando a subjetividade do indivíduo. O olhar cabisbaixo de alguém introspectivo, centrado somente em um apito em forma de pássaro alaranjado. O pássaro é uma ideia embutida, e não há nada mais ameaçador que essa ideia. Isso faz com que além da imagem o apito tenha uma res extensa na obra. O pássaro é o solipsismo, a dúvida hiperbólica que faz do homem um ser sempre sozinho.

As peças apontam a um estilhaço e nunca a um todo formado. Esse desmembramento só se atualiza quando alguém se indaga sobre a obra. O fato de estar sobre uma caixa, já indica um desmembramento, que intenciona a incerteza. Recortes colados em fitas adesivas desdobram o metadiscurso como na montagem da envoltura da embalagem. Na medida em que se indaga sobre a obra o eu se remonta.

Ao reconciliar todas as partes, o todo da sua presença reconhece a alteridade de modo distinto. A pena significa o peso do que é o outro, apenas o eu pode ser dito pesado. O eu pode estar embutido na sua mais profundidade, mas o outro enquanto outro só se revela na sua leveza de ser. Não se leva mais nenhum fardo transcendental, a inclusão da pena tem uma função niilista. O eu que indaga é criador da própria consciência da obra.

O pássaro é o maior símbolo associado à consciência, não só porque voa, mas por ser também fonador. Só há consciência de fato quando o eu nomeia, ou quando ele assim se estende ao já conhecido. E há um paradoxo terrível nisso, o absurdo de conhecer o desconhecido. O homem só é homem porque nomeia, no entanto quando nomeia deixa de ser, surge então o paradoxo, que faz do homem um ser sempre sozinho.

De seu próprio interior, Juca Lordelo, apela a um realismo epistolar de tentar se comunicar com o desconhecido. Não sendo a primeira carta, mas a octogésima quarta, será que alcançou aquele que não conhecemos, o tal Desconhecido?

Darlon Silva,
poeta
A artista Tita Gracielle escuta áudio exposto junto a obra
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A aurora de Tilde Santtos, Unidades e Igualitários.

Da série "UNIDADES" de Tilde Santtos.

 Creio que estamos no momento mais esplêndido da carreira de uma artista que chegou a profundidade íntima do humano. Posso assim falar que a aurora de Tilde Santtos excede o leite que amamenta a natureza dionisíaca da obra de arte. Essa exuberância de cores durante o preceder do Sol na artista é um processo de iniciação do dia. As Unidades exibem agora o instante em que o humano se prepara para contemplar a grandeza do todo, como a artista que ao pintar a alvorada de si transborda toda a possível variedade de cores.

A ocasião mais intensa de uma expressão é quando ela se defronta com a questão da unidade, a religião é assim, a ciência também, até mesmo a filosofia, que é a mais rebelde de todas, não escapa. Aliás, é curioso lembrar aqui, que a Filosofia só surgiu quando se pronunciou que Tudo é Um, foi isso que Tales de Mileto, o primeiro Filósofo, disse afirmando ser a água essa unidade de tudo. Ainda que a anima da multiplicidade se mostre, ela ainda esta dentro de uma unidade, porque a unidade é a instância primeira.

A manhã dessas instâncias é simbolizada pelos avantajados seios do boneco nas Unidades, potencialmente de uma ama, que tanto seduz como nutre, ambas as funções do peito formam um nexo primordial com a vida. Esse nexo também é o do corpo com a psique, pois sem corpo não há vida, mas é a psique que distingue o indivíduo. Note o corpo franzino e a dimensão corpulenta da cabeça. Não há como falar com profundidade sobre o humano sem essa união. Que não é só uma união de alma e corpo, é mais precisamente o vínculo com a totalidade universal.

No universal todos nós somos iguais, a diferença é do particular. A individualidade não pode tornar o homem desigual, apenas diferente em manifestação. O indivíduo é sempre a diferença mais o universal, por exemplo, quando definimos homem como um animal racional, estamos dizendo que a razão é o que diferencia das demais espécies e a animalidade o que iguala. No contexto humano, temos as distintas etnias e culturas, mas todas no universal se igualam porque tratam do humano. A proposta dos Igualitários é justamente tratar dessas semelhanças singulares que afirma a humanidade. 

As Unidades e os Igualitários têm a mesma intenção de visar à grandeza do todo humano. Expondo os aspectos mais íntimos, Tilde Santtos encara, como um místico ao absoluto, a maior força humana que é a sua humanidade.

 Darlon Silva, 
poeta


Performance de Bete Actis em frente a obra de Tilde Santtos

Pensar é prever

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A obra de Bartira Sena faz uma crítica a essa civilização tecnológica, que apesar de nos trazer inegáveis benefícios, não pensa os impactos para o futuro, porque a atual ciência é ausente de uma ética ecológica. Aqui pensar é prever, porque o pensamento quanto ao futuro é previsão.

Os materiais utilizados são propositalmente de objetos tecnológicos usados, pois estão impregnados de emanações daquele que descartou. O objeto rejeitado se mostra possuidor de um resquício espiritual, capaz de reter o som que se encontra internamente a ele.

O som produzido não se iguala a estética do ruído de Russolo, que devido à época só compreendeu o movimento da técnica mecânica. Com a descoberta da relatividade e da física quântica modificou seriamente a estrutura do pensamento científico, trazendo com a tecnologia eletrônica um resgate ao debate sobre o epifânico.

Pode se fazer algumas analogias da obra de Bartira com o afro-americano Henry Dorsey que dominava o material elétrico para construir seus objetos de arte. Pois ambos não só estavam preocupados com o desenvolvimento da técnica de fazer música com objetos usados, mas de manifestar o rito e a ancestralidade.

Apesar de envolver certo sentido de transcendência, prever nada tem haver aqui com uma vidência sobrenatural. Sobretudo prever se refere a encarar a memória, o instante e o futuro como uma unidade do agora. Somos responsáveis pela tecnologia que estamos utilizando, com toda sua beleza e seus efeitos nas gerações futuras. Essa intenção é clara na performance intitulada “curuPIRA” da artista.

A pretensão de Bartira Sena é fazer da tecnologia não um sentido específico e reducionista, mas de generalizar toda a área do conhecimento, principalmente o conteúdo mitológico da sua genealogia cultural, que foi neutralizada pela chegada da ciência moderna e pela ideologia colonizadora.


Darlon Silva,
Poeta.

Programação de Março EM Cultural


Cambio 14 – CIDADE DO MÉXICO com o Harmonipan Studio



O que é o Projeto Cambio 14?!

O Cambio é um projeto de intercâmbio internacional experimental de arte contemporânea promovida pelo Harmonipan Studio e que está em seu segundo ano de execução. No Cambio, artistas são convidados a participar de um cronograma de atividades, visitações a instituições, discussões sobre a produção individual e em torno do panorama atual das produções artísticas, além de vivenciar a produção na prática com outros artistas convidados.

O Cambio em seu objetivo maior, fazer perceber aos olhos de cada artista convidado, os processos de sua própria produção e questionamentos sobre a forma de gerir seus trabalhos, sem condicioná-los, além da busca da percepção do trabalho do outro e do olhar que tanto o público quanto os outros artistas têm em resposta a essas produções finais. É a experimentação de uma soltura na prática da visão das produções artístico-culturais.


O Harmonipan Studio entra com a parceria em Salvador- Bahia com a nossa agência, a EM Cultural, a intenção é levar os baianos para essas experimentações ricas em trocas e pautadas nos processos de construção de trabalhos artísticos, com abertura para as produções e olhares de nosso tempo.

O Harmonipan é um estúdio que promove a produção artística em diversas linguagens e tem parcerias por todo o mundo e sede no México com correspondentes no Brasil e Estados Unidos. O conceito de estudo nasceu com o objetivo de criar uma abertura para julgamento da produção artística, por causa da grande diversidade artístico-cultural e diferenças nos processos de criação, produção e apresentação.


Nessa edição do Cambio 14, o tema proposto é a “Fenomenologia da Percepção” e que contará com o acompanhamento dos artistas convidados em uma produção do grupo internacional Lucks Dragons, conhecido por suas experimentações sonoras-visuais.

“Lucky Dragons é um grupo de música experimental composta por Lucas Fischbeck e Sarah Rara. Com sede em Los Angeles, Califórnia, a banda é conhecida por seu som incomum, descrito como tendo a capacidade de fazer  ‘sons do cotidiano’ tornar-se algo sedutor  ao outro”.

Juci Reis – Diretora do Projeto Cambio 14.

Performances:  'incluem música ao vivo, projeção de vídeo e sons criados em colaboração com o público.

Thirty Days NY Artist Series: Sumi Ink Club from Thirty Days NY on Vimeo.


Esse projeto conta também com a parceria do conceituado Museu Chopo que, é uma instituição cultural que pertence a Universidade Nacional Autônoma do México. E nesse espaço se realiza uma série de pesquisas sobre produção Cultural e sua ligação com a arte contemporânea.

Vem coisa boa por aí! E voltando ao Brasil, os artistas farão suas atividades como resultado dessas experimentações e que serão – parte delas – acompanhadas pela EM Cultural. Acompanhamento esse que faremos desde o México até a chegada ao Brasil, e nas mostras seguintes dessa produção pós Cambio.

A EM Cultural fará o seu diário, mostraremos as atividades e que também faremos parte, vivenciaremos experimentações como grupo de arte. Ansiosos para vivenciar cada momento dessa produção!


Arte Experimental - Fenomenologia da Percepção - Cidade do México - Cambio 14, vem muita coisa boa por aí! Para quem quiser acompanhar um pouco da nossa estadia no México e se ater às dinâmica e atividades de produção dos artistas participantes do Cambio 14: https://www.facebook.com/EMcultural?ref=hl