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Vulcanismo industrial no Mundo das Águas

obra de Maurício Teixeira, exposta na exposição "Tanta Imensidão"

Em “Mundo das Águas”, Maurício Stone capturou o último suspiro da água, a ferocidade de um mundo rodeado de vulcões em erupções, o chão seco, o Deus desfigurado, o céu em sangue, a anarquia, o ser para a morte, metal em fusão, as artérias volumosas, o segredo do salto mortal, estado de guerra e tudo que cause fervor a nossa civilização escaldante.

A agonia da água diante ao vulcanismo industrial não é o mesmo sentimento de erupção das lavas na lei natural, mas talvez seja um apelo ao céu escuro por inundação, que assim se destrua e volte a ser, retroceda. O vulcão ativo em questão na verdade é a anarquia da nossa civilização, que burlou com todas as erupções dos divinizados elementos da natureza. O vulcão pintado tem a mesma forma retangular das indústrias que expelem gases poluidores ao ar e secam a vida dos rios com seus imundos dejetos.

De uma erupção nasceu o homem civilizado, que antes não sabia o que era o poder de manipulação do ferro. Muito provavelmente a metalurgia, que originou a história da civilização, tenha surgido com o vômito de algum vulcão e depois o homem imitou com outros meios. O vulcão ensinou segredos ao homem, e eles perverteram a ideia em agricultura desenfreada e fabricação de armas bélicas. Esse foi o primeiro passo para a institucionalização da propriedade exagerada de alguns e de todas as viciosas vaidades.

O rosto da água anuncia a morte, e quase todo o corpo já está derretido pelo calor do magma, que já desce do cume da montanha secando o chão, acompanhado de muito fogo e negras fumaças, como nas chaminés das indústrias. No “Mundo das Águas” o chão é seco, tudo é quente, sanguíneo e colérico, contrariamente o nome do mundo, que é dado pela nítida falta e não pela central presença do azul, da fleuma. O céu é negro e contaminado de chuva ácida.

A boca entreaberta parece gritar ao quente de todo o vermelho da tela. O vermelho da lava e também do céu carregados de nuvens negras. A boca e as nuvens indicam a chuva torrencial que esta para acontecer. Grande chuva pressagia inundações planetárias e esquecimento de um mundo antigo, perturbado pelo mau uso do segredo revelado pelas calorentas veias anárquicas da terra, e das feridas insecáveis de um mundo enfermo.

Em Mundo das Águas, Maurício pretende cicatrizar esse mundo – recorre à água para lhe purificar. A inundação que esta preste a ocorrer purificará todas as desmedidas de nossa civilização. No céu obscurecido, há uma forte presença da água em potência, onde o retorno às origens da lei natural será possível pela rebeldia da chuva. Quando a última gota do céu cair, a trovoada cessar e a terra seca se tornar mar, o absoluto estará de volta, os vulcões dormirão, até a chegada de um novo jovem anarquista como este.


Darlon Silva,
Poeta.

o artista em frente ao díptico "Mundo das Águas"

Mulher Coruja, fiandeira do destino

Obra de Tita Anjos exposta na exposição "Tanta Imensidão" no Bahvna Espaço Cultural

Mais além do vermelho sanguíneo e da tapeçaria florida pelo branco do crochê, um ser mitológico, uma parte mulher a outra pássaro, ambas criativas. Essa mulher zoomorfizada aterroriza como a Hidra de Lerma, que ao cortar uma cabeça surge assim duas, e que ao ser queimado pelo vermelho do fogo atrás, restará só a última e imortal cabeça, a da própria artista que fiou a tapeçaria.

Tita Anjos é a mulher coruja, noturna e melancólica como uma sereia. Carrega o peso do tempo em seus ombros, em uma vara flexível de bambu, que hora tende ao côncavo e ao convexo, igualmente ao cantado na voz trêmula de Bethânia. O bambu que em sua terra faz rodopiar emoções do sublime ao terror no meio do ano. Bambu que apesar de permitir o excesso e a falta, no fundo é a moderação que o tempo encarrega de ensinar aos sábios.

A coruja é a ave da sabedoria porque conhece a noite, enquanto os demais dormem, é a encarregada de fazer a vigília dos sonos. A coruja conhece o bem e o mal que se desvela com o tempo, por isso é um animal que traz tantos presságios. O conhecimento futuro seduz como uma flor ou o corpo de uma mulher, mas apenas o sábio vai conseguir ficar sereno ao ver as pernas de uma mulher e não atacá-la e ser ferido pelos espinhos.


Cada ponto do bordado é como o fuso que gira no joelho da mulher fiandeira do destino. As mulheres do Recôncavo, que herdaram o tecer cotidiano dos seus ancestrais, são todas como as Parcas gregas, possui dons muitos especiais, porque são filhas da noite. A voz inesquecível de Bethânia, cantando “a matriarca da Roma Negra” é o fundo musical desse meu olhar sobre o quadro, ou melhor, meu olhar sobre Tita Anjos.

Darlon Silva,
Poeta

Vernissage "Sexo, Corpo e Liberdade - Uma estética do feminino"

Performance apresentada na abertura da exposição

As contorções do seu corpo, a roupa com o tom da sua pele, as formas arredondadas, a pintura triangular do seu rosto e o gozo. Quando Jaiton Santóz expressou a performance que culminou no gozo oral, os visitantes se deslumbraram com o significado do que toda a exposição apontava. O gozo oral além de ser o clímax da exposição, provocou uma atualização da grandiosidade do que a estética do feminino tratava, em uma espécie de síntese do sexo, corpo e liberdade.

O corpo se confrontou com o dois-em-um, com a sua dialética, pois o plural é a essência indissociável do sexo. O plural é a essência do feminino, que é a lei erótica da terra. Note também nas pinturas, que os corpos femininos são múltiplos ou vêm acompanhados de uma imagem dupla, dois pares de pernas, de bundas e de seios em um mesmo desenho. Só o feminino poderia provocar um gozo que pudesse ser jorrado, como a planta que precisa da terra para brotar.

Jailton Santóz desenvolveu o feminino nas telas com o corpo da mulher, enfatizando o múltiplo das suas formas e dando movimento a matéria. Na multiplicidade de corpos nas imagens, forma a cópula do dois-em-um, daí, se abstrai a ideia de que na livre busca do sexo, a mulher se apossa de uma orgia consigo mesma, na tentativa de fazer companhia a si. O sêmen só é fecundo no envoltório da presença total do corpo da mulher.

A utilização do preto e branco já tem uma função dialética bem definida. Trata da dualidade existencial do eu consigo mesmo, que é a favor e oposto a si. O preto e branco é a contradição que se revela em um mesmo corpo, a claridade e a escuridão da busca da liberdade orgástica, a consciência e a inconsciência dos atos sexuais, etc.

As formas onduladas permitiram a reunião dos corpos. Uma figura composta em partes distintas e em todo uniforme, é o todo e as partes simultaneamente, como se pensa a ideia de um cavalo alado sem problemas em uma intelecção. As mulheres se adicionam umas as outras e formam outras configurações.

Até mesmo os aperitivos da vernissage haviam um sentido elaborado na estética do feminino. Os sequilhos tinham formas de vaginas, nádegas e seios. A digestão dos signos femininos pelos visitantes, dialoga subjetivamente com a ejaculação pela boca na performance. O gozo oral representa a libertação do fálico aprisionador através de um intenso prazer para a mulher.
Darlon Silva,
Poeta.
+ fotos em: http://goo.gl/ogPnJP

A Era da Vida

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A obra de Renata Otero não é apenas uma releitura de clássicos da história da arte, é antes uma interpretação da história do homem, quando intrinsecamente se discute o comportamento social contemporâneo. As pinturas estão para além do debate dualista do consumismo x bem-estar, anjo x pecador, luz x treva. O debate está além do leão devorador e traz às garras a questão da sustentabilidade.

Segundo Leonardo Boff, teórico da ecologia, a história da humanidade se divide em três eras. A Era do Espírito, a Era do Corpo e a Era da Vida. A Era do Espírito se compreenderia das culturas ancestrais originárias que cultuavam a physis (natureza divina). A Era do Corpo foi iniciada pela manipulação da força e o surgimento da técnica, esta Era provocou a dominação perversa a natureza. E a Era da Vida, a qual é tratada na obra de Renata, como um novo paradigma da união do corpo e espírito, com suas teias interdependentes da biosfera.

Na Era do Espírito a natureza não era dividida em notas isoladas, mas enquanto acordes, enquanto música, como uma orquestra com todo o universo, o cosmo. O valor do sagrado no principio de adesão ao cósmico é uma característica marcante. Ressaltado na graça da iluminação divina, no par de asas celestial e na seda do corpo feminino.

Na era do corpo, os objetos se afastam gradativamente do espírito verde (biodegradável), para o fordismo de objetos produzidos para serem descartáveis, o que provocou lixos em grandes quantidades, atingindo todo o comportamento social. Existe toda uma cultura que fundamenta a exploração da natureza e do acumulo ao lixo, e é também a mesma que subestima os valores não europeu civilizatório.

Na era da vida é possível fundir a tradição científica ao novo paradigma da sustentabilidade. A tecnologia pode servir de reparação e ressignificação dos valores da modernidade mecânico-machista, para uma ética de cuidado a geradora Terra. Para quebrar o antigo paradigma é preciso antes uma apologia aos valores femininos transcendentais.

Renata Otero não fica presa aos mestres como Caravaggio e Igres, mas dá um passo a mais, um passo de uma felina nas artes. Reler um clássico, aliás, requer entender as diferentes épocas e dar assim um sedutor passo para a Era da Vida.

Darlon Silva,
Poeta

Frank-Emmanuel Rannou

O artista em frente uma de suas obras no ateliê
Frank-Emmanuel Rannou é um artista francês nascido na década de 70. Dedicou-se durante 20 anos na face humana inspirado principalmente na feminilidade. É um artista bem requisitado, popular por participar de programas de TV em Paris  Conhecido por pintar o retrato de todo o time francês de Rúgbi em 2007, e do time francês de futebol, durante a Copa do Mundo de Futebol em 2010.


O pintor tem uma técnica que faz parecer saltar vida de suas figuras. Especialista em retratos, apurou-se na arte de retratar pessoas sem perder originalidade pictórica. De personalidade irreverente, Frank-Emmanuel traduz em suas produções como a própria maneira de ver a vida.Em algumas pinturas os retratos aparecem com expressões fortes ou suaves, mas passam também ironia e um tom de sensualidade. Pinceladas bem calculadas, porém, sem perder o traço natural do artista, uma técnica controlada emas com um lado propositalmente rude.

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Rannou é bastante conhecido na França, e requisitado em programas de TV onde se apresenta fazendo suas pinturas durante apresentações musicais, performances pictóricas. E apesar de ser um retratista e guardar a técnica ainda em cavaletes e telas, suas pinturas são bem contemporâneas, que não dão a ideia de um artista perdido no tempo.


Atualmente, Frank-Emmanuel Rannou expõe seus trabalhos em Londres e Paris em mostras artísticas como tantas que participa e participou ativamente.

Para quem quiser conferir mais um pouco dos trabalhos do artista, acesse seu portfólio:

Em peles sintéticas

S/ Título. Juninho Tatuador.


As bonecas de Juninho Tattoo podem ser entendidas como desdobramentos contemporâneos do ready-made.

Contudo, diferente da concepção pós-Duchamp assimilada pelos artistas da Pop-Art; Juninho retira seus elementos do mercado, da sociedade, das seções dos brinquedos industriais; não só para revelar seu caráter da cultura de massa, a produção em série, mas pela tentativa de restituir (ou construir?) em cada peça uma singularidade.

Cada boneca ao ser alterada pela agulha e pelos pigmentos, utilizados pela técnica da tatuagem, rompem as formas próprias da produção industrial, desta maneira buscam uma libertação estética. E não só...

Tatuando o couro sintético das bonecas industriais; o artista não só interfere e inscreve no tecido plástico, modificando a estética, mas na própria identidade do objeto, logo do indivíduo, da sociedade, da infância, do intocável e sagrado, da cultura e nos símbolos pessoais e contemporâneos.

As tatuagens, como elemento da body modification, revelam uma vontade própria de alterar a imagem do corpo natural; diferente das marcas obtidas involuntariamente pelo tempo, acidentes ou doenças. A tatuagem é uma alteração humana que revela os limites entre cultura e a natureza.

Memórias, signos, homenagens, crenças, moda... Cada indivíduo cria o sentido da necessidade em alterar-se através da tatuagem. Contudo, não estaria o símbolo da tatuagem nela própria - como já signo?

“Nenhum desses significados aí existem... Você quer ter uma tatuagem!” fala Juninho sobre as pessoas que chegam em seu estúdio com vontade de serem tatuadas.

As bonecas tatuadas de Juninho ainda nos fazem lembrar o papel dos brinquedos, das miniaturas humanas e seus jogos... Brincar de casa, construir uma família imaginária, criar trabalhos, inventar um ser... O homem brinca com suas imagens – projetadas e assimiladas. O artista também brinca de ser. Num jogo duplo: utilizando imagem das imagens.

Juninho é de uma leva de artistas que correm para os estúdios de body modification, não por uma necessidade mercadológica, mas porque os seus traços sensíveis e autênticos podem perfurar cada epiderme em busca de algo oculto, em busca do efêmero eterno.

Juca Lordelo,
diretor da EM_CULTURAL.


Confiram o vídeo do artista produzido pela EM_CULTURAL:


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Lis na tela

Em 1975, aos 54 anos, um ano após ser demitida do Jornal do Brasil, no qual escrevia semanalmente, Clarice Lispector dizia-se cansada da literatura, chegou a declarar que provavelmente não voltaria a escrever. Por um período deste ano, a escritora dedicou-se aos pincéis. De guache seguindo as nervuras da madeira, as telas produzidas por Clarice revelam uma grande sensibilidade. As telas, em geral abstratas - alguns levam inúmeras cores, outras bastante sombrias, são acompanhadas de títulos dado pela própria escritora e carregam o mesmo fascínio de algumas de suas obras literárias.

Em uma de suas telas, intitulada Medo, com data de 16 de maio de 1975, uma figura central amarela, com olhos e bocas, sobre um fundo negro produzia um grande estranhamento em Clarice. Ela fala; “Pintei um quadro que uma amiga me aconselhou a não olhar porque me faria mal. Concordei. Porque neste quadro que se chama “medo” eu conseguiria pôr para fora de mim, quem sabe se magicamente, todo o medo pânico de um ser no mundo”.


 A relação de Clarice com a pintura já havia dada os primeiros passos desde a época de Água Viva, livro publicado em 1973. No livro a narradora é uma pintora, e logo é introduzido por uma citação de Michel Seuphor da ideia de “uma pintura totalmentelivre da dependência da figura - o objeto - que, como a música, não ilustra coisa alguma, não conta uma história e não lança um mito”.
Explosão
Medo
Pássaro da Liberdade


 “Sem ser pintora de forma alguma, e sem aprender nenhuma técnica. Pinto tão mal que dá gosto e não mostro meus, entre aspas, “quadros”, a ninguém. É relaxante e ao mesmo tempo excitante mexer com cores e formas sem compromisso alguma. É a coisa mais pura que faço”.

É verdade que Clarice não tinha qualquer formação em pintura, mas isso não quer dizer que ela não possuísse técnica. Em Um Sopro de Vida, obra com referência também as artes visuais, Clarice escreve:

“Vivo tão atribulada que não aperfeiçoei mais o que eu inventei em matéria de pintura. Ou pelo menos nunca ouvir falar desse modo de pintar: consiste em pegar uma tela de madeira – pinho de riga é a melhor – e prestar atenção às suas nervuras. De súbito, então vem do subconsciente uma onda de criatividade e a gente se joga nas nervuras acompanhando-as um pouco – mas mantendo a liberdade”.

Na biografia da escritora, escrita pelo americano Benjamin Moser, o autor analisa o método das pinturas de Clarice e sua relação direta com o subconsciente. "É uma maneira de pintar oposta ao trompe-l’oeil, recurso que dá ao espectador a impressão de estar diante de um objeto que não existe. Ou seja, também nos quadros de Clarice existe a tensão entre real e inventado que marca sua produção literária", diz o autor.

Desde sua necessidade em buscar outro meio, mesmo na linguagem verbal, a escritora buscava representar “o símbolo da coisa na própria coisa”, sem que lhe escapasse o sentido, e talvez a pintura fosse uma forma de alcançar seu objetivo mais direto. “Meu ideal seria pintar um quadro de um quadro”.

A passagem de Clarice na pintura, dois anos antes de sua morte, em 1977, é fascinante, não apenas pelo resultado de suas produções pictóricas, mas por obras posteriores como Um Sopro de Vida ou a famosa A Hora da Estrela, em que Clarice recorre sempre ao termo «Explosão», termo também o qual ela intitulou uma de suas telas.






Dezesseis telas de Clarice foram expostas em 2009 no Instituto Moreira Salles no Rio de Janeiro, na exposição “Clarice Pintora”. Além de Clarice, diversos escritores enveredaram para o campo das artes plásticas, como Kafka, Victor Hugo, Dostoievski, Allan Poe, Ferreira Gullar...

Juca Lordello.


P.S: Na obra A Hora da Estrela, cada vez que a escritora utiliza o termo «explosão», vejo Clarice segurando seus pincéis a produzir a tela homônima. Uma linda animação imaginativa.

La Berceuse e a orelha de Van Gogh

Uma noite, uma canção de ninar, uma orelha cortada.

La Berceuse


A ligação entre La Berceuse e a orelha de Vicente Van Gogh não é assim tão clara para quem não conhece detalhadamente sua biografia. Acontece que Van Gogh se automutilou enquanto trabalhava nesta tela na véspera do natal de 1888.

La Berceuse é o retrato de Augustine Roulin – a matriarca da família Roulin, que Van Gogh outras vezes já havia pintado, além de outros membros da família. Vincent teve a ideia para o quadro quando conversava com Gauguin sobre o livro Pescador da Islândia, de Pierre Loti. Vincent queria pintar «pescadores, que são ao mesmo tempo crianças e mártires, (e) ao vê-lo do seu barco de pesca (...) sentissem que estavam a ter de novo a antiga sensação de estarem no berço e se lembrassem das suas canções de embalar».

Realmente, no quadro não há nenhum barco mas sim uma senhora que segura nas mãos o cordão que embalava o berço de seu bebê. O próprio berço não está no quadro, e o cordão é bastante sutil para quem desconhece a mecânica para embalar um objeto que não está presente no campo da representação – assim nossa visão é também de quem está a se embalar, de pescador em mar agitado.

Explicando mais tarde para Gauguin, Van Gogh afirma que tinha certeza « de que se puséssemos essa tela tal como está num barco de pesca, mesmo na Islândia, haveria alguns pescadores que iam sentir-se dentro do berço». Também não era este conforto que Vincent procurava para ser acalmado?

O conceito que Van Gogh havia criado para La Berceuse não se resumia a isto, ele intercalou inúmeras referências da história da arte e pensamentos religiosos, buscava, até mesmo, que esta tela fosse equivalente a uma imagem do cristianismo primitivo. Contudo, o que se via realmente era um retrato de uma mulher em uma cadeira, notoriamente, um retrato com cores ousadas (de fato, esta tela causou impacto em muito dos artistas mais jovens; Matisse, Edouard Vouillard e Pierre Bonnard, mas mais sobre suas características formalistas, e não conceituais).

«Os vermelhos que avançavam para o puro laranja, de novo se afirmam nos tons de carne e vão até os crômios, passando pelos rosas e se misturando com verdes-azeitonas e malaquite».  Van Gogh havia ficado satisfeito com o resultado, mas foi essa complexa combinação de cores que o levou a procurar o olvido na embriaguez (mais o medo de que Gauguin abandonasse a casa, que algumas semanas ele havia o convidado para montar um ateliê coletivo).

Naquela fria noite em Arles, no sul da França, Van Gogh iria cometer o grande ato de loucura pelo qual ficou parcialmente conhecido: cortar uma orelha (ou apenas o lóbulo, como aponta alguns historiadores). Gauguin conta que havia sangue por toda casa, inclusive em frente a La Berceuse, o que significa que Vincent estava olhando a tela enquanto se mutilou, ou esteve lá depois de se mutilar.

Contam que na sua crise de loucura antes de cortar a orelha, Vincent Van Gogh, que normalmente não cantava, tinha cantando uma velha canção de ninar, porque imaginava «a canção que a mulher que embalava o berço cantava para adormecer os marinheiros».

A história que se segue é bastante conhecida; Van Gogh embrulha o pedaço da orelha e entrega para uma prostituta. Mas o que teria acontecido com Van Gogh para fazer algo tão invulgar e bizarro?
Sempre que questionado, Van Gogh preferia não responder sobre aquela noite. 
Juca L.

União de Arte e Biologia no desenvolvimento prático em aula


Para o desenvolvimento prático entre duas disciplinas num mesmo ambiente é necessário que exista uma interação entre ambas, para não se tornar mais complexo do que seria explicando apenas uma única disciplina e deixar o educando mais confuso, foi optado a metodologia do estudo das cores, pelas características mais aproximadas que ambas poderiam ser explicadas num mesmo ambiente escolar com enfoque num determinado assunto da Biologia, no caso o aposematismo, e um movimento artístico nas Artes, o Fauvismo.
          A ideia utilizada de relação entre ambas seria de que as cores têm carater fundamental no processo de produzir sentimentalidade no ser vivo, difunde e transmite emoções, aguçam sentidos e emoções provenientes da sua intensidade ou desprovida da mesma.
        Teoricamente as cores baseiam-se em primárias, secundárias, terciárias e as cores neutras, sendo na mistura dessas cores que encontramos as diversas possibilidades de cores que se fundem e transformam-se numa infinidade de outras cores.
             No aspeto de transmissão de sensações, fundamentalmente, as cores exercem estímulos através das cores frias e quentes, sendo uma das formas mais simples de decodificar estas sensações provenientes das cores, apesar de que, cada ser tem uma reação diferente aos estímulos exercidos pelas cores, tendo comportamentos diferentes em relação a mesma, podendo ser tratado esporadicamente ou não, como um sentimento relativo vindos de questões culturais, sobrevivência e sensações ou diversos outros fundamentos de definição e importância, que acabam por tornar uma influência.
             Visualizando-se numa teoria sobre cores já idealizada como metodologia de ensino, o sentimento que as cores provocam ou podem provocar em determinado momento nos seres vivos, na maioria das vezes, acabam por traduzir numa forma simbólica e pré-determinada, que resumidamente são referente as sensações entre cores quentes e frias em que, as cores frias tem uma tonalidade mais escura transmitindo uma sensação de melancolia, introspeção, serenidade dependendo da descarga emocional que o artista queira demonstrar através das cores e suas pinceladas, já as cores quentes por outro lado exercem uma sentimentalidade contraria transmitindo uma sensação de euforia, extroversão e outros sinónimos do género.
          Ligando-se as cores na representabilidade e funcionalidade artística e fazendo-se uma interação nos aspetos da disciplina de biologia com um assunto mais especifico, no caso, o aposematismo, em que os animais utilizam-se das cores já permanentes em seu corpo, como um meio de sobrevivência de sua espécie e adaptação ao meio aonde vivem e interagindo este fenômeno com a Arte, pode-se encaixar perfeitamente com o movimento Fauvismo que surgiu na França no inicio do seculo XX, a partir do nome “le fauves” (as feras, em português), em que pretendia-se uma arte do equilíbrio de pureza e serenidade. A junção destes dois conceitos abordados em sala pode trazer consequências positivas para o aluno pois o aluno estaria envolvido em duas áreas diferentes, mas através de um elo de ligação entre ambas. Posteriormente, ele iria recordar dos aspetos entre ambas pois um dos aspetos que definem assimilação do conhecimento esta na diferença entre ver e observar, quando se utiliza apenas o ato de ver, enxergamos apenas o que esta em nosso redor e identificamos, logo o conhecimento esta disperso de tornar efetivo perdendo-se consequentemente, ao contrario de observar, que se pesquisa de forma detalhada e cria-se uma elo de ligação entre assuntos de particularidades distintas.

Maurício Teixeira Santos

Tela Habitada (1967) de Helena Ameida


Sobre a produção artística portuguesa contemporânea, um nome sempre me vem a cabeça desde que conheci seu trabalho em uma galeria. Pouco sei sobre a biografia da artista, mas a série Tela Habitada de Helena Almeida é algo que não se esgota em questionamentos conceituais e plásticos. Apoiada sobre a fotografia, a artista intervêm na obra colidindo o conceito de pintura, fotografia, tridimensionalidade, espaço criativo e até mesmo de ato performativo.

Assim que vejo essas fotografias, me vem como referência aquela imagem em que uma mão desenha uma outra, e isto vira um ciclo (que alguns alunos de Belas Artes, admirados, insistem em fazer cópias, por isso já não sei mais quem é o autor), mas Helena Almeida parece chegar em um ponto de representação da representação muito mais complexo do que a representação do ato criativo – algo já levantado por Velázquez em Las Meninas, só que agora bem mais transdisciplinar, seja pelo próprio material ou por aquilo que evoca.

Juca Lordelo,
Diretor EM.

 Obs: Em uma pequena pesquisa, vi que algumas destas obras podem não fazer parte da série Tela Habitada. Isto porque a artista utiliza o mesmo conceito em séries posteriores como em “Desenho Habitado” (1975) e “Pintura Habitada” (1976). Para saber mais pode acessar este site.  http://www.artnet.com/artists/helena-almeida/